作文写作技巧

写作技巧是写作中使用的方法，是作者表达感情所采取的有效的艺术手段。写作技巧受到作者世界观和艺术观的限制，同时又影响着作者的写作实践，服务于作者的写作活动。以下是我为你整理的作文写作技巧的相关内容，仅供参考，希望对你有所帮助。

在作曲之前，首先要确定歌曲是几段(一段、二段、三段)，二段、三段比较常见。

使用和弦通过添加过渡音来创作音乐。适合先写和声，再加旋律。这类音乐的旋律与伴奏和弦非常和谐，旋律和声的方向性也很明显，但长度一般较短。

1，用纯天然音阶作曲。比较适合写长旋律，先写旋律，再写和声。如:大全音阶:1 2 3 4 5 6 7小全音阶:6 7 1 2 3 4 5。

2.使用各种特征音阶作曲。在你作品的全音阶旋律中，你可以即兴创作一个或几个变调。

3.借助各种乐器的音阶特征作曲。比如云南乐器葫芦丝，八五只有一个8度加一个音，所以作曲的时候也要考虑这个乐器的音域。

4.模仿说话和作曲的方式。也就是说，你读歌词的时候，歌词的抑扬顿挫，旋律的起伏，汉字发音的起伏都是一致的。就像唱歌说话一样！根据汉语拼音的四声作曲。这些首先适用于歌词，然后是音乐。

5.用音阶模块作曲。也就是说，音阶组成的旋律遵循同样的规律和模式，从而向上或向下，也就是后面的旋律模仿前面的旋律！

6.作曲的时候，经常会重复使用一些旋律，这样歌曲唱起来就会朗朗上口，很容易让人一下子就记住歌曲的旋律！这样的歌往往很好听，比如很多歌的高潮部分，也就是副歌部分，经常反复使用！

7.围绕一个音乐主题、一个声音或一段简短的旋律进行不同的发展。我指的是音乐的主题，也就是你作曲时拥有的主旋律动机，你可以用环绕的方式继续顺利发展。

8.以一个音符为中心，向上做一个音阶，再以同样的距离向下做一个音阶。当然，顺序可以互换。写在五线谱上，可以看到这些音符都是以这个音为对称轴上下波动，就像湖中的倒影，上下完全对称。这种曲子听起来比较集中，不会有散的感觉。

9.以前我们学习古诗词的时候，有一种修辞方法叫顶针。就像成语接龙，我们经常玩的一个游戏，下一个字的第一个字就是第一个字的最后一个字。

10，如果你喜欢弹吉他，可以从吉他即兴独奏的方法中获得一些灵感！当然也可以是一些其他乐器的即兴独奏！

11.从其他现存的各种风格的音乐作品中寻求灵感。如:京剧、东北二人转等。从他们身上学习你需要的音阶和旋律！

12，一起收藏你喜欢的歌曲或者其他精彩的音乐片段。把这些精华部分取而代之，组合在一起，就是取其精华，变成自己的音乐。

13.把灵感迸发时写的作品记录下来，不断修改，然后选出最满意的部分，加上装饰音、顺音、连音、休止符等。到最后的音乐。

14，试着在不同的心情和情绪下练习你的作品，你的作品一定会有不一样的感觉！根据心情的变化，可以用变调制作作品。

15，要让歌词的风格和歌曲的风格一致，也就是歌曲和歌词的对应关系。

扩展:

作曲的基本理论

首先是声学

而声学就是研究多种声音同时发声的效果和规律。如果把旋律比作“骨头”，和声就是“肉”。只有和谐，声音才能变得饱满、和谐、优美。和声和声学很重要，是所有乐理的基础。很多音乐家都为和声和声学做出了杰出的贡献。但是和声由于内容繁多，规则繁多，不容易学。中篇小说《你别无选择》(刘索拉《新时期争鸣作品》)中的教授声称自己八年都没学好，可见难度之大。但是掌握和声的基本知识是最有益的，值得一试。下面简单介绍一些重要的基本概念和术语。

(一)三合一

由根音与上三分音符和上五分音符叠加而成的和弦称为三和弦。三和弦是构成和弦功能的最基本和弦，使用最多。三和弦按结构分为“大三和弦”、“小三和弦”、“减三和弦”(只有一个)。按功能可分为“主和弦”(以主音符为根音的三和弦)、“从属和弦”(从属音符的三和弦)和“从属和弦”(从属音符的三和弦)。此外，每个三和弦都有两个移调和弦。主语、属、从三个和弦称为“正三和弦”，其他四个称为“辅助三和弦”。这四个小三和弦分别属于“从属功能”组和“从属功能”组。现在，所有由全音阶的七个音符形成的原位三和弦被分类如下:

根函数类别符号

1大和弦大调T(或ⅰ)

2第二和弦(从属范畴)小sⅱ

3三阶和弦(属)小三Dⅲ

4从属和弦初级S(或ⅳ)

5属大调和弦D(或ⅴ)

6六级和弦(从属类)小三S ⅵ

7七和弦(属)减三D ⅶ

除了减三和弦d ⅶ，其他六个三和弦都是协和和弦。

第七和弦，第九和弦，可变和弦

由第三个音符(根音的第七个音符)叠加在第三个和弦上形成的和弦称为第七个和弦。第七和弦是不和谐的。最常用的七和弦是“七和弦”(七和弦构成的七和弦)。大和弦和负七和弦是经常遇到的。如果在第七和弦上加上第三个音(即根音的第九个音)，就是第九和弦。九和弦也是不协和和弦。如果一个和弦不是根音，而是被改变成另一个音，而不遵循原来的规则，那么这个和弦就被称为“可变和弦”。九和弦和变和弦的功能色彩比较特殊，很难把握，所以很少使用。基本不会出现在简单的作品中。

(3)和声声部

和声一般由高音、中音、次中音、低音四部分组成。在写和声的谱里，高音在上面，低音在下面，中音和男高音都在里面。所以高音和低音部分常被称为“外音部分”，中音和次中音部分则被称为“内音部分”。高音部分一般是主旋律部分；两个内声主要是配置和声，也就是常说的“填声”。在和谐连接的过程中，内部要饱满稳定，不允许各部分交叉。低音永远是和声中最低的音，决定着根音，所以它不仅起着基础的作用，还引领着和声的方向，作用非常重要。“四和声”的写作是作曲的重要技巧之一，作品无论大小，都要从这里开始(主旋律确定后，就要开始和声写作)。配器将和声织体具体化。(因为不同的乐器属于不同的声部，所以乐谱可以按照和声声部来写，也可以按照乐器来分组，比如弦乐声部、铜管乐器声部、木管乐器声部...)不同作曲家的和声风格是不同的:气势磅礴，浑厚大方，或清澈通透。比如瓦格纳的作品就以气势磅礴著称。

(四)和谐的进步、联系与“和解”

和声要在音乐的过程中不断转化、变化、悬浮；正因如此，所有的声音都要进行适当的过渡和连接。所以这是写和声的基本功。调和级数的基本特征是从“稳定”到“不稳定”，再到“稳定”；从“和谐”到“不和谐”再到“和谐”的交替循环其功能的图式是:T-S-T，T-D-T或t-s-d-t，这就是小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能圈”。小说中也提到了“解”这个词。这是指不协和和弦(如第七和弦)在连接过程中转化为协和和弦的方式。基本规则是将每个声部的音转移到它们最接近的协和音，如7→1；4→3等。；和声保持不变。

(五)论和谐的“力度”

《你别无选择》里叫森森的高飞，热衷于模仿贝多芬，却因为贝多芬的“力大无穷”，整天在钢琴上砸来砸去求“力”。他的一句口头禅是“狗屎，实力！”通常强度是指声音强度，用文字表示，如“P”表示“弱”，“F”表示“强”，“sf”表示“极强”等等。但这里的力度是另一个概念，否则用脚踩钢琴的“力度”一定会超过贝多芬。小说中的“力度”主要是指音效的力度，也就是和声的力度。和声的强度大概与和弦中包含的泛音系列的共振谱有关。所以也跟零件数量和间隔距离有关。一般来说，小和弦的力度没有大三和弦强；单个音程的强度没有复合音程(超过八度的音程)强；协和和弦没有不协和和弦强(减和弦除外)。这就是森森“在九和弦上叠加一个七和弦”的原因。

如何学习和声学；

(1)，充分理解基本概念，没必要死记硬背规则。声学规则数量众多但有限。况且，记住这些“禁止”也不会犯大错，所以还是先记住“禁忌”吧。

(2)坚持做操。音乐不同于数学和物理。它没有绝对的标准，习题不是一个答案。只有多做多练，才会记住，才会提高。

(3)多听名曲。这其实是最有效的手段。初学者可以听简单易懂，好听的歌。

第二，形式主义

曲式是指音乐的结构形式。有单、二、三、变奏曲、奏鸣曲、回旋曲。每个主题段落用“A，B，…”来表示。比如“二段体”的音乐图式是“AB”；“段体”的图式是“阿坝”，第三段A与第一段基本相同。儿歌多为两段甚至一段；流行歌曲多为三步曲。“圆舞曲”通常是回旋曲。

第三，复调

“复调”是相对于“主旋律”而言的。如果只有一个声部充当主题旋律，其他声部只是作为陪衬，这样的音乐就叫主音音乐。如果旋律声部不止一个，而各个声部在横向上相互独立，在纵向上又形成和谐的关系，形成一个和谐的有机整体，那么这样的音乐就叫做“复调音乐”。在复调音乐中，每个声部的旋律按照主次关系分别称为“主旋律”和“副旋律”。只有一个主题。复调是一种重要的作曲技术，被广泛应用。其理论基础是和声声学。“赋格”是复调形式之一，巴赫发展了它的技巧。

第四，对位法

对位是复调音乐的写作手法之一。它以和声声学为基础，使每个声部既和谐又相对独立。比如重合唱(三重奏、四重奏)就是用对位法写的。对位法可分为“严格对位法”和“模仿对位法”。俄罗斯和德国的音乐理论家尊重和遵守严格的对位法。

动词 （verb的缩写）旋律

旋律就是旋律。它是一首音乐区别于其他音乐的根本特征，就像一座建筑的风格和节奏。“音位”构成“理据”，理据进一步发展为主题，形成旋律。具体来说，就是将某种“音型”和“节奏型”按照特定的节奏规律组合起来，形成一段旋律。旋律是视觉的:它体现在旋律线上(符头的连接线)。早期有些音乐人追求“旋律线条之美”，认为好的旋律也应该是视觉上的美。旋律创作靠的是天才、灵感和练习。旋律写作的技巧性很强，发展手法多种多样，最为丰富。常用的开发技巧有:重复、建模、模仿、收缩、扩展、变化、对比、变异等。大部分概念要用板书和视听来解释。(见音乐鉴赏讲座(三))。

六、经销商

配器是管弦乐的一种写作手法，所以也被称为“管弦乐”或“乐器的方法”。而所有乐队的演奏，甚至流行歌曲的伴奏，都离不开配器的使用，所以学习一点配器知识是很有实用价值的。学习配器就是要解决以下问题:各种乐器的发声原理、音色、音量、演奏方法，各种乐器之间音量的匹配关系，正确选择乐器，才能正确表达作品的主题和风格。

现在假设一个例子:我写了一首小提琴协奏曲。但是小提琴手拿到乐谱，来找我说，我不会弹。我坚信写作没有错:优美的旋律，饱满的和声。有什么问题？可能有三个。第一，乐谱的音域不对，上限或下限超出了小提琴的音域。第二，我把三和弦写成三个音符，但小提琴只能同时演奏两个音符，钢琴家不会。三、和弦音程过大:比如一个音在G弦(四弦)，一个音在A弦(两弦)。它们之间有一根线。怎么能让他(她)玩呢？！再比如某乡镇企业买了一堆外国音乐，组了个乐团，排练节目，请专家过来指导。列车员看完可以摇头，表示帮不上忙。原因是(1)乐器数量不匹配，有的超过大乐团；(2)专业音乐家不注重配器，很难统一演奏。

以上两个案例的失败原因都是因为对适配器常识的无知。此外，在流行歌曲的伴奏中，如果配器方法运用不当，可能会出现一些问题，如“乱调”、“篡夺主持人角色”等。但是电声乐器的发音、音色、功能特点、演奏技巧与传统乐器有很大的不同，所以传统的配器方法基本不适合纯电声乐队。

作曲的基本乐理知识

根据法国音乐界的定义，作曲的风格可以分为三类:

1，ANAORPHOSE:这种风格强调音乐的主体几乎不变，改变的只是听者的感受；

2.变形:这种风格要求音乐逐渐变化。主导思想是，音乐就像生命一样，会因新陈代谢而逐渐变化变形。虽然上一章的音乐表现已经结束，但下一章的音乐表现是前一章的自然演变，不是突然的，而是一个渐进的过程。这是METABOLE；

3.连贯性:这种风格比较自由，由每个听者自己去寻找不同音乐部分的呼应关系。

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